Pop art

Il racconto

Una zuppa in galleria

Nell'estate del 1962, in una piccola galleria d'arte di Los Angeles, apparve una cosa strana: trentadue quadri allineati sul muro, come i barattoli su uno scaffale del supermercato. Ognuno mostrava lo stesso soggetto, una lattina di zuppa Campbell's, in un gusto diverso: pomodoro, pollo e riso, funghi, manzo. Chi entrava restava perplesso. Era arte, o una presa in giro? L'autore era un giovane artista di New York, Andy Warhol.

Warhol, nato nel 1928 a Pittsburgh da una famiglia di immigrati dell'Europa orientale, aveva prima lavorato come disegnatore pubblicitario, e conosceva bene i trucchi di giornali, vetrine e cartelloni. Dipingere una zuppa in scatola, qualcosa che tutti gli americani vedevano ogni giorno, era una scelta voluta. Diceva che gli piaceva ciò che era semplice, ripetuto, uguale per tutti: un panino, una bottiglia di Coca-Cola, una lattina. Non c'era niente di nobile, di antico o di romantico: era la vita di tutti i giorni, trasformata in opera d'arte.

Che cos'è la pop art

«Pop» è una parola inglese che viene da «popular», popolare. La pop art nacque negli anni Cinquanta e Sessanta, in Inghilterra e soprattutto negli Stati Uniti, quando i paesi più ricchi avevano scoperto il benessere: supermercati, televisione, fumetti, pubblicità, automobili, star del cinema e della musica. Gli artisti pop presero proprio quei simboli di massa e li misero nei musei. Prima di allora l'arte «seria» dipingeva paesaggi, ritratti, soggetti religiosi o forme astratte; ora entravano nelle gallerie i fumetti e i prodotti in vendita.

Tra i primi a lavorarci, in Inghilterra, ci fu Richard Hamilton, con un collage del 1956 che mostrava una casa moderna piena di oggetti pubblicitari. Negli Stati Uniti si distinse Roy Lichtenstein, che ingrandiva le vignette dei fumetti con i loro puntini colorati e le onomatopee, come in «Whaam!». Claes Oldenburg realizzò enormi sculture morbide di hamburger e di oggetti comuni. In Italia, a Roma, un gruppo di artisti, tra cui Mario Schifano e Tano Festa, portò la pop art nella città dei monumenti antichi.

La fabbrica delle immagini

Warhol voleva che la sua arte fosse prodotta come in fabbrica. Nelle opere successive usò la serigrafia, una tecnica di stampa in cui la tinta passa attraverso una rete tesa e permette di ripetere la stessa immagine tante volte. Il suo studio di New York si chiamava «The Factory», la Fabbrica: un grande spazio rivestito di carta stagnola argentata dove lavoravano assistenti, passavano musicisti e attori. Negli anni seguenti dipinse anche i volti delle persone famose. Dopo la morte improvvisa di Marilyn Monroe, nell'agosto 1962, ne fece un'opera, il «Marilyn Diptych», ripetendo il suo viso in cinquanta immagini, in colori vivaci da una parte e in bianco e nero dall'altra, quasi a dire che la fama dura come una pubblicità.

Le trentadue «Campbell's Soup Cans» furono messe in vendita a cento dollari l'una. Il gallerista Irving Blum le comprò tutte per tenerle insieme e, nel 1996, vendette l'intera serie al Museum of Modern Art di New York, il MoMA, per quindici milioni di dollari. Oggi i quadri di Warhol sono tra i più costosi e conosciuti al mondo.

Arte per tutti

La pop art fece arrabbiare molte persone: critici e collezionisti dicevano che non era vera arte. Ma ebbe un grande successo perché parlava di cose conosciute da tutti, con colori forti e immagini chiare. Fece capire che la cultura popolare, quella dei supermercati e della pubblicità, merita attenzione come tutto il resto, e invitò a guardare con occhi diversi gli oggetti di ogni giorno. A Warhol si attribuisce anche una frase famosa: «In futuro, tutti saranno famosi per quindici minuti».