El arte pop

La historia

Una sopa en la galería

En el verano de 1962, en una pequeña galería de arte de Los Ángeles, apareció algo extraño: treinta y dos cuadros alineados en la pared, como los botes en la estantería de un supermercado. Cada uno mostraba el mismo tema, una lata de sopa Campbell's, de un sabor distinto: tomate, pollo con arroz, champiñones, ternera. Quien entraba se quedaba perplejo. ¿Era arte o una broma? El autor era un joven artista de Nueva York, Andy Warhol.

Warhol, nacido en 1928 en Pittsburgh en una familia de inmigrantes de Europa del Este, había trabajado antes como dibujante publicitario y conocía bien los trucos de los periódicos, los escaparates y las vallas. Pintar una sopa en lata, algo que todos los estadounidenses veían cada día, fue una elección deliberada. Decía que le gustaba lo que era sencillo, repetido, igual para todos: un bocadillo, una botella de Coca-Cola, una lata. No había nada noble, antiguo o romántico: era la vida de todos los días, convertida en obra de arte.

Qué es el pop art

«Pop» es una palabra inglesa que viene de «popular». El pop art nació en los años cincuenta y sesenta, en Inglaterra y sobre todo en Estados Unidos, cuando los países más ricos habían descubierto el bienestar: supermercados, televisión, cómics, publicidad, coches, estrellas del cine y de la música. Los artistas pop tomaron justamente esos símbolos de masas y los llevaron a los museos. Antes, el arte «serio» pintaba paisajes, retratos, temas religiosos o formas abstractas; ahora entraban en las galerías los cómics y los productos en venta.

Entre los primeros en trabajar en esto, en Inglaterra, estuvo Richard Hamilton, con un collage de 1956 que mostraba una casa moderna llena de objetos publicitarios. En Estados Unidos destacó Roy Lichtenstein, que ampliaba las viñetas de los cómics con sus puntitos de colores y sus onomatopeyas, como en «Whaam!». Claes Oldenburg hizo enormes esculturas blandas de hamburguesas y de objetos comunes. En Italia, en Roma, un grupo de artistas, entre ellos Mario Schifano y Tano Festa, llevó el pop art a la ciudad de los monumentos antiguos.

La fábrica de imágenes

Warhol quería que su arte se produjera como en una fábrica. En sus obras posteriores usó la serigrafía, una técnica de impresión en la que la tinta pasa a través de una malla tensada y permite repetir la misma imagen muchas veces. Su estudio de Nueva York se llamaba «The Factory», la Fábrica: un gran espacio revestido de papel de aluminio plateado donde trabajaban ayudantes y por donde pasaban músicos y actores. En los años siguientes pintó también los rostros de personas famosas. Después de la muerte repentina de Marilyn Monroe, en agosto de 1962, hizo con ello una obra, el «Díptico de Marilyn», repitiendo su cara en cincuenta imágenes, en colores vivos de un lado y en blanco y negro del otro, como para decir que la fama dura lo que dura un anuncio.

Las treinta y dos «Campbell's Soup Cans» se pusieron a la venta a cien dólares cada una. El galerista Irving Blum las compró todas para mantenerlas juntas y, en 1996, vendió la serie entera al Museum of Modern Art de Nueva York, el MoMA, por quince millones de dólares. Hoy los cuadros de Warhol están entre los más caros y conocidos del mundo.

Arte para todos

El pop art hizo enfadar a mucha gente: críticos y coleccionistas decían que no era verdadero arte. Pero tuvo un gran éxito porque hablaba de cosas conocidas por todos, con colores fuertes e imágenes claras. Hizo comprender que la cultura popular, la de los supermercados y la publicidad, merece atención como todo lo demás, e invitó a mirar con otros ojos los objetos de cada día. A Warhol se le atribuye también una frase famosa: «En el futuro, todos serán famosos durante quince minutos».