Pop-Art

Die Geschichte

Eine Suppe in der Galerie

Im Sommer 1962 erschien in einer kleinen Kunstgalerie in Los Angeles etwas Merkwürdiges: zweiunddreißig Bilder, an der Wand aufgereiht, wie die Dosen in einem Supermarktregal. Jedes zeigte dasselbe Motiv, eine Dose Campbell's-Suppe, in einer anderen Sorte: Tomate, Hühnchen mit Reis, Pilze, Rind. Wer eintrat, blieb ratlos. War das Kunst oder ein Scherz? Der Künstler war ein junger Künstler aus New York, Andy Warhol.

Warhol, 1928 in Pittsburgh in einer Familie osteuropäischer Einwanderer geboren, hatte zuvor als Werbezeichner gearbeitet und kannte die Tricks von Zeitungen, Schaufenstern und Plakaten gut. Eine Konservendose zu malen, etwas, das alle Amerikaner jeden Tag sahen, war eine gewollte Entscheidung. Er sagte, ihm gefalle, was einfach, wiederholt und für alle gleich sei: ein Sandwich, eine Flasche Coca-Cola, eine Dose. Es gab nichts Edles, Altes oder Romantisches: Es war das Alltagsleben, in ein Kunstwerk verwandelt.

Was Pop-Art ist

„Pop“ ist ein englisches Wort, das von „popular“, volkstümlich, kommt. Die Pop-Art entstand in den Fünfziger- und Sechzigerjahren in England und vor allem in den Vereinigten Staaten, als die reichsten Länder den Wohlstand entdeckt hatten: Supermärkte, Fernsehen, Comics, Werbung, Autos, Film- und Musikstars. Die Pop-Künstler nahmen genau diese Massensymbole und stellten sie in die Museen. Vorher malte die „ernste“ Kunst Landschaften, Porträts, religiöse Motive oder abstrakte Formen; nun kamen Comics und Verkaufsprodukte in die Galerien.

Zu den Ersten, die in England damit arbeiteten, gehörte Richard Hamilton, mit einer Collage von 1956, die ein modernes Haus voller Werbegegenstände zeigte. In den Vereinigten Staaten tat sich Roy Lichtenstein hervor, der Comicbilder mit ihren farbigen Punkten und Lautmalereien vergrößerte, wie in „Whaam!“. Claes Oldenburg schuf riesige weiche Skulpturen von Hamburgern und gewöhnlichen Gegenständen. In Italien brachte in Rom eine Gruppe von Künstlern, darunter Mario Schifano und Tano Festa, die Pop-Art in die Stadt der antiken Denkmäler.

Die Fabrik der Bilder

Warhol wollte, dass seine Kunst wie in einer Fabrik hergestellt würde. In den folgenden Werken benutzte er den Siebdruck, ein Druckverfahren, bei dem die Farbe durch ein gespanntes Netz geht und es erlaubt, dasselbe Bild viele Male zu wiederholen. Sein Atelier in New York hieß „The Factory“, die Fabrik: ein großer, mit silberner Alufolie verkleideter Raum, in dem Assistenten arbeiteten, Musiker und Schauspieler vorbeikamen. In den folgenden Jahren malte er auch die Gesichter berühmter Menschen. Nach dem plötzlichen Tod von Marilyn Monroe im August 1962 machte er daraus ein Werk, das „Marilyn Diptych“, indem er ihr Gesicht in fünfzig Bildern wiederholte, auf der einen Seite in lebhaften Farben und auf der anderen in Schwarz-Weiß, fast als wolle er sagen, dass Ruhm so lange währt wie eine Werbung.

Die zweiunddreißig „Campbell's Soup Cans“ wurden für hundert Dollar das Stück zum Verkauf angeboten. Der Galerist Irving Blum kaufte sie alle, um sie zusammenzuhalten, und verkaufte 1996 die ganze Serie für fünfzehn Millionen Dollar an das Museum of Modern Art in New York, das MoMA. Heute gehören die Bilder Warhols zu den teuersten und bekanntesten der Welt.

Kunst für alle

Die Pop-Art machte viele Menschen wütend: Kritiker und Sammler sagten, das sei keine echte Kunst. Aber sie hatte großen Erfolg, weil sie von Dingen sprach, die alle kannten, mit kräftigen Farben und klaren Bildern. Sie ließ erkennen, dass die Populärkultur, die der Supermärkte und der Werbung, wie alles andere Aufmerksamkeit verdient, und lud ein, die Gegenstände des Alltags mit anderen Augen zu betrachten. Warhol wird auch ein berühmter Satz zugeschrieben: „In Zukunft wird jeder für fünfzehn Minuten berühmt sein.“