Perspektive der Renaissance

Die Geschichte

Bilder ohne Tiefe

Wenn du ein Gemälde des Mittelalters betrachtest, zum Beispiel einen Altar aus dem 13. Jahrhundert, fallen dir einige seltsame Dinge auf. Die Figuren wirken flach, wie ausgeschnitten. Der Hintergrund ist oft golden, ohne Landschaft. Die Größen entsprechen nicht der Wirklichkeit: Die Madonna ist größer als die Heiligen neben ihr, weil sie wichtiger ist, und die Gebäude sind kleiner als die Menschen, die hineingehen. Die mittelalterlichen Maler versuchten nicht, das wiederzugeben, was das Auge sieht, sondern die geistige Ordnung der Welt zu zeigen.

Etwas begann sich mit Giotto um 1300 zu ändern, der die Figuren fester machte und die Personen in Räume oder Landschaften mit einer gewissen Tiefe stellte. Aber es fehlte eine Regel, um den Raum genau darzustellen. In Florenz, zu Beginn des 15. Jahrhunderts, fand eine Gruppe von Künstlern und Gelehrten sie.

Brunelleschis Experiment

Filippo Brunelleschi war ein florentinischer Goldschmied und Baumeister, begeistert von Mathematik und Geometrie. Um 1415-1420 machte er nach den Erzählungen seiner Biographen ein Experiment, fast ein Zauberkunststück. Er malte auf eine kleine Tafel mit einem Loch in der Mitte eine Ansicht des Baptisteriums von Florenz, des achteckigen Gebäudes vor dem Dom. Dann stellte er sich ein Stück innerhalb des Hauptportals des Doms auf, wenige Meter von dem Ort entfernt, an dem er gemalt hatte, und schaute von der Rückseite der Tafel durch das Loch, wobei die bemalte Seite zum Baptisterium zeigte. Vor der Tafel hielt er einen Spiegel, in dem sich das Gemälde spiegelte. Wenn er, nachdem er den Spiegel weggenommen hatte, das wirkliche Baptisterium sah und, wenn er ihn wieder davorhielt, das Gemälde, gab es keinen Unterschied: Das Gemälde war so naturgetreu, dass es wie die Wirklichkeit wirkte.

Das Geheimnis war die „Linearperspektive“: eine geometrische Methode, um Gegenstände so zu zeichnen, wie sie ein Auge an einem bestimmten Punkt sieht. Parallele Linien, die sich entfernen, wie die Ränder einer Straße oder die Balken einer Decke, scheinen auf einen einzigen fernen Punkt zuzulaufen, den „Fluchtpunkt“, der auf der Horizontlinie liegt; und die Gegenstände werden kleiner, je weiter sie weg sind, nach einer genauen Regel.

Von der Praxis zur Theorie

Die Idee verbreitete sich rasch. Der junge Masaccio wandte sie als Erster auf spektakuläre Weise in der „Trinität“ an, einem Fresko, das um 1425-28 in Santa Maria Novella in Florenz gemalt wurde: In der Wand scheint sich eine Kapelle mit Tonnengewölbe zu öffnen, so wirklich, dass die Besucher staunend stehen blieben. Donatello nutzte sie in seinen Reliefs, Lorenzo Ghiberti an den Türen des Baptisteriums, Paolo Uccello in der „Schlacht von San Romano“, voller Lanzen und perspektivisch verkürzter Pferde.

In den Jahren 1435-36 schrieb ein Humanist und Baumeister, Leon Battista Alberti, die erste Abhandlung über die Malerei, „De pictura“, deren italienische Fassung er Brunelleschi widmete und in der er erklärte, wie man den gemalten Raum konstruiert: Stell dir das Bild, sagte er, wie ein „offenes Fenster“ vor, durch das man die Welt betrachtet. Später schrieb Piero della Francesca, Maler und Mathematiker, eine Abhandlung über das Thema, „De prospectiva pingendi“, und Leonardo da Vinci und Raffael brachten die Perspektive mit Werken wie dem „Abendmahl“ und der „Schule von Athen“ zur Vollendung.

Das Wort „Perspektive“ kommt vom lateinischen „perspicere“, das „hindurchsehen“ bedeutet: Es erinnert genau an Albertis Fenster. Die Künstler lernten die Technik mit Fadengittern und Messgeräten und zeichneten oft zuerst das geometrische Schema mit den zusammenlaufenden Linien und setzten erst danach die Farben ein.

Eine Revolution des Sehens

Die Perspektive war nicht nur eine Technik. Indem sie das Auge des Betrachters in den Mittelpunkt stellte, spiegelte sie die neue Denkweise des Humanismus wider, in der der Mensch das Maß der Welt ist. Die Welt wurde zu etwas, das man messen, berechnen und mit Mathematik darstellen kann.